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Workshop : scénario animé

Le 18 mai 2018 s’est tenu au Centre de Veille et d’Innovation le 6ème Workshop de cette saison universitaire. Consacrée aux enjeux et aux modalités de l’écriture de scénarios animés, cette session fut animée par Cynthia Delbart, chargée de cours à l’université Paris 8, chef monteur et responsable KinoFabrik.

Après un cadrage général des caractéristiques du film d’animation, à savoir la création image par image d’une projection utilisant la persistance rétinienne de l’œil pour engendrer une illusion de mouvement, une première partie est dédiée à l’histoire de cet art et aux liens qu’il entretient avec l’industrie du cinéma. Construite autour de jeux optiques tels le zootrope, instaurant un nouveau rapport entre l’œil et la réalité, l’invention du cinéma d’animation est concomitante de celle du praxinoscope dans les années 1880. A partir de cette technologie, les phénomènes expérientiels se multiplient, permettant à des initiatives confidentielles, d’aboutir progressivement à une rationalisation du processus de fabrication et à une industrialisation des pratiques. Outre l’aventure Disney, actant la transition d’un mode de conception artisanal à une aventure commerciale pérenne et rentable, cette historiographie de l’image animée s’accompagne d’une évolution des techniques et des styles. Ainsi, la sortie de Blanche-Neige en 1937 constitue un moment fort dans le paysage cinématographique de l’entre-deux guerres. Ce projet perfectionne en effet les questions de  profondeur de champs, de rotoscopie, de multi-plan, de colorisation, tout en exploitant un contexte politique et social propice au développement du rêve et du merveilleux. Il rompt en cela avec la récurrence d’un comique du gag de répétition, caractérisant alors les productions françaises et américaines (Betty Boop, Coco le Clown, etc.).

L’épopée de cette entreprise, permet donc d’évoquer la dimension politique et institutionnelle de l’image. A travers des exemples de récupération ou d’instrumentalisation de la forme du dessin animé, c’est également le dialogue entre l’image et le texte qui est interrogé, tout autant que leur contribution à définir la culture de masse en tant qu’objet culturel de propagande.

Ce constat permet de diviser la suite du workshop en deux parties, plus spécifiquement axées sur le scénario et sur le travail graphique. La question de l’écriture, en tant que phénomène créatif, connaît de nombreuses mutations. Par le biais du travail du studio d’animation Gibli et des productions du japonais Miyazaki, Cynthia Delbart évoque les différentes méthodologies de l’écriture scénaristique, notamment lorsque celle-ci se base sur de la réécriture ou de la transposition (comme chez Disney), ou au contraire lorsqu’elle résulte d’un récit de vie ou d’évènements d’actualités. Inhérente au texte, la place du son est également interrogée, à travers le parcours des studios AArdman. Ces derniers ont conçu leurs premières créations à partir d’une bande son des accents londoniens, et ont ensuite construit une majeure partie de leur travail scénaristique sur les onomatopées, les silences, les rires, les bruits de fonds.  La question de l’illusion et de la distanciation au réel sont alors essentielles pour comprendre les enjeux, mais également le potentiel de renouvellement et d’adaptation de cette forme hybride. Cette dernière est en perpétuelle recherche d’un équilibre entre une démarche littéraire permettant de donner sens et perspective au dessin, et la prépondérance de ce dernier sur le résultat final.

Envisagé donc davantage comme un lien de subordination, le rapport entre le texte et l’image repose également sur les mutations techniques et stylistiques de ce secteur. Des progrès du stop motion (comprenant le papier découpé, l’animation de sable, la peinture sur verre, la pâte à modeler) à la modélisation de l’animation aptique par le réalisateur tchèque, Svank Mejer, les progrès mécaniques, ont permis d’affiner la production, de diminuer les temps et les coûts de fabrication. La conception d’un dessin animé demeure néanmoins complexe et longue, interrogeant ainsi la pérennité d’un modèle économique stable. Plusieurs œuvres exceptionnelles témoignent de ce décalage entre temps de création et temps de diffusion, comme Le Roi et l’oiseau de Paul Grimault, et La Planète sauvage de Lalou, dont la technique implique un premier tournage puis un découpage et un nouveau montage. D’autres techniques, telle la marionnette animée en ombre chinoise, contribuent par ailleurs à nourrir les progrès et l’imaginaire des effets spéciaux, établissant ainsi un dialogue riche et renouvelé avec l’industrie du cinéma. Cet échange repose néanmoins la question de la rationalisation des moyens de production et de la préservation des savoir-faire, alors que de nouvelles technologies comme la 3D permettent de restreindre la phase de conception et de réalisation.

Pour conclure, le workshop évoque le travail effectué par les étudiants du master Scénario et écritures audiovisuelles, dans le cadre de l’atelier-laboratoire « le scénario animé : écrire pour le cinéma d’animation ». Ce parcours, conçu en collaboration avec l’École nationale des arts visuels de La Cambre, avait pour enjeu le partage de compétences autour de l’écriture d’un scénario de court métrage d’animation, à partir d’une proposition graphique imaginée par les étudiants de l’ENSAV. Cet exercice comprend une phase de rédaction, de montage pour aboutir à la présentation d’un animatic, permettant de rendre compte d’un univers visuel, sonore, et littéraire. Certains de ces projets ont fait l’objet d’une sélection au festival international du film d’animation d’Annecy, pour l’édition 2018.

 

Filmographie selective :

Les aventures du prince Ahmed, Lotte Reiniger, 1926 (Allemagne).

Blanche-Neige et les 7 nains, Studio Dinsey, 1937 (U.S)

Les Voyages De Gulliver, Les Frères Fleischer, 1939 (U.S)

Le Roi et l’Oiseau, Paul Grimault, 1953, (France)

La Princesse Grenouille, Mikhaïl Tsekhanovski, 1954 (Russie)

La Planète sauvage, René Laloux, 1973 (France)

Animated Conversations: Down and Out, Studio AArdman, 1977 (R.U)

Les possibilités du dialogue, Jan Svankmajer, 1982 (République Tchèque)
Mon voisin Totoro, Hayao Miyazaki, 1988 (Japon)

Princes et princesses, Michel Ocelot, 2000 (France)

 

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